Teodora Film

17 RAGAZZE dal 23 marzo al cinema

2012-02-07T16:28:00.001+01:00

IL FILM

In una piccola città francese sull’Atlantico, diciassette ragazze dello stesso liceo prendono una decisione eclatante: rimanere incinte tutte insieme. Quello che sembra un gioco provocatorio si rivelerà un gesto d’amore e di ribellione, una scelta di libertà capace di andare oltre ogni pregiudizio.

Ispirato a una storia realmente accaduta e prodotto da Denis Freyd, storico produttore dei fratelli Dardenne, 17 ragazze è sorretto da un cast formidabile di giovanissime attrici in cui spiccano Louise Grinberg (La classe), Roxane Duran (Il nastro bianco) e Esther Garrel (L’Apollonide - Souvenirs de la Maison Close).

Il film ha inaugurato il concorso del 29° Torino Film Festival, ottenendo il Premio Speciale della Giuria.

NOTE DI REGIA

di Delphine e Muriel Coulin

Lorient

La storia vera che è all’origine del film è insieme intrigante e rivelatrice della società in cui viviamo. Appena ne siamo venute a conoscenza, abbiamo pensato che sarebbe potuta accadere nella nostra città, Lorient, ed è qui che il film è ambientato. Si tratta di un centro operaio quasi completamente distrutto durante la Seconda Guerra Mondiale, e che negli anni Cinquanta, con la ricostruzione, la gente credeva sarebbe diventata la città del futuro. Sessant’anni dopo, il porto e l’arsenale sono in crisi e tutte le speranze sono svanite.

Una generazione senza sbocchi

Lorient resta attaccata al passato, quando era chiamata L’Orient, lo snodo commerciale da cui le navi partivano per tutto il mondo, o, durante la guerra, quando diventava una delle culle della Resistenza. Ora, invece, i genitori, gli insegnanti e le altre istituzioni non hanno trovato il modo di offrire uno sbocco alle nuove generazioni, il cui futuro è già segnato: un diploma, un lavoro, il matrimonio e i figli. Ma le protagoniste del film sono pronte a capovolgere quest’ordine, vogliono tutto e in una volta sola.

La forza dell’amicizia

Sappiamo cosa significa vivere in una piccola città, dove l’amicizia e l’aspirazione a qualcosa di diverso hanno una grande importanza. Questa esistenza limitata si confronta con l’immensità dell’Oceano, una presenza insieme rassicurante e inquietante. Le ragazze del film contano una sull’altra per ottenere ciò che vogliono. L’amicizia è così forte alla loro età che permette di superare gli ostacoli della vita e le paure, spingendo a prendere decisioni rischiose che non si riuscirebbe ad affrontare da soli.

Un’età particolare

Camille e le sue amiche hanno un’età in cui si è insieme troppo grandi e troppo piccoli. Un’età in cui si hanno sogni meravigliosi, ma si è troppo giovani per farli diventare realtà; e quando poi si diventa adulti, è ormai troppo tardi per riuscirci. Tutte dividono un sogno ordinario e straordinario al tempo stesso, costruendo una vera e propria utopia. Nessuno può fermarle dal gettarsi in questa avventura.

Il corpo, unica arma

Le illusioni e il disincanto delle ragazze protagoniste ci hanno permesso di affrontare temi su cui già abbiamo lavorato nei cortometraggi che abbiamo diretto insieme: il corpo, la femminilità, l’età, il tempo. Camille e le sue amiche vivono una stagione in cui la vita sembra naturale e infinita. I loro corpi sono alterati dal tempo e dalla gravidanza, ma danno alle ragazze il potere di confrontarsi con gli adulti e con i coetanei, permettono loro di attirare l’attenzione, crescere e definire se stesse. Questi corpi sono la loro unica arma.

Sceglierne 17

Abbiamo fatto un provino a circa seicento ragazze per sceglierne 17. A parte Louise Grinberg, Roxane Duran e Esther Garrel, che già hanno avuto ruoli importanti in diversi film, la maggior parte delle ragazze selezionate non aveva mai messo piede su un set. La loro freschezza, la loro volontà di crescere in fretta, la confidenza e i legami che hanno stretto nel corso delle riprese, si percepiscono nel film. Inoltre, abbiamo girato seguendo l’ordine cronologico delle scene: davvero possiamo vedere queste ragazze mentre diventano grandi.

DELPHINE E MURIEL COULIN

regia e sceneggiatura

Le sorelle Delphine e Muriel Coulin hanno diretto cinque cortometraggi, tra cui Sisyphe (1997, Best Drama Award al Los Angeles Film Festival) e Souffle (2000, Premio del Sindacato della Critica in Francia, selezionato per la Semaine de la Critique a Cannes). Muriel ha lavorato nel cinema come assistente operatore per registi del calibro di Krzysztof Kieslowski, Louis Malle e Aki Kaurismäki, dirigendo inoltre la fotografia per diversi documentari; Delphine ha una carriera di scrittrice alle spalle (tra i suoi romanzi, Les Traces, Une seconde de plus, Les mille-vies, Samba pour la France) e ha collaborato a lungo come regista con il canale televisivo ARTE. 17 ragazze rappresenta per entrambe l’esordio nel lungometraggio, accolto con entusiasmo alla Semaine de la Critique dell’ultimo Festival di Cannes.

LA STAMPA FRANCESE

La forza del film è nella capacità di non cadere mai nell’analisi e nel giudizio del comportamento delle protagoniste, preferendo semplicemente mostrarcele nella loro intimità, nel profondo dei loro sogni. È il mondo degli adulti a essere deludente e senza prospettive e a farle credere in un’utopia. Per loro, avere un bambino vuol dire trovare un senso all’esistenza, essere finalmente amate senza condizioni. Un ritratto dell’adolescenza insolito, sensibile e appassionante, sorretto da un gruppo di attrici formidabili.

Emmanuèle Frois, Le Figaro

Come accade per ogni utopia, anche in quella di 17 ragazze ci sono tradimenti, rinunce e disincanto. Ma tra risate e lacrime questo film fa soffiare un meraviglioso vento di libertà.

François-Guillaume Lorrain, Le Point

C’è qualcosa di incomprensibile nel gesto delle protagoniste, ma è solo chi non appartiene alla loro piccola comunità a non capire che si tratta di un vero gesto di rivolta. Una rivolta dolce ma testarda, che le registe raccontano con poesia, rendendo alla perfezione quell’ebbrezza propria degli adolescenti alla prima scelta importante della loro vita. 17 ragazze è il primo film di Delphine e Muriel Coulin e anche per loro è come se si trattasse del primo bebè. Una vera riuscita.

Jean-Marc Lalanne, Les Inrockuptibles

Abbiamo amato molto 17 ragazze. Lo abbiamo amato per il suo modo di andare dritto al cuore di una storia un po’ folle, con bravura e ostinazione; per il suo modo di filmare la solitudine di ciascuna delle protagoniste; per aver scelto di non fare caso agli uomini e di ignorare i genitori, volgendo lo sguardo solamente alle ragazze, alle loro idee fisse e alle loro confidenze più intime.

Philippe Azoury, Libération

Volendo paragonare 17 ragazze a un altro film, quello sarebbe Il giardino delle vergini suicide di Sofia Coppola, altra folgorante opera prima dedicata ai misteri dell’adolescenza al femminile: stesso languore pop, stesse immagini lievemente sgranate, stesso genere di casting al femminile molto eterogeneo, stessa assenza di uomini. E la scelta giusta di non provare a spiegare l’inesplicabile.

Première

17 ragazze appare innanzitutto come l’evocazione di una volontà d’emancipazione appassionata, radicale e paradossale, a immagine di adolescente. Le protagoniste hanno torto o ragione? Non importa. Queste magnifiche eroine hanno un merito: ci interrogano sul mondo che abbiamo lasciato loro in eredità.

L’Humanité

ALMANYA - LA MIA FAMIGLIA VA IN GERMANIA dal 7 dicembre al cinema

2011-11-03T14:39:00.020+01:00

IL FILM

15 milioni di incasso - 2 milioni di spettatori - Un viaggio andata e ritorno dalla Turchia alla Germania - 40 anni di ricordi - tanta tantissima musica condita con battute folgoranti, situazioni esilaranti e una galleria di personaggi indimenticabili e divertenti... Tutto questo e molto altro ancora è ALMANYA - LA MIA FAMIGLIA VA IN GERMANIA una travolgente commedia “on the road” a metà tra East Is East e un film di Fatih Akin, capace di divertire e commuovere raccontando una storia attualissima.

Protagonista del film è Hüseyin Yilmaz, patriarca di una famiglia turca emigrata in Germania negli anni ‘60. Dopo una vita di sacrifici, ha finalmente realizzato il sogno di comprare una casa in Turchia e ora vorrebbe farsi accompagnare fin lì da figli e nipoti per risistemarla. Malgrado lo scetticismo iniziale, la famiglia al completo si mette in viaggio e alle nuove avventure nella terra d’origine si intrecciano i ricordi tragicomici dei primi anni in Germania, quando la nuova patria sembrava un posto assurdo in cui vivere. Lungo il tragitto, però, vengono a galla molti segreti del passato e del presente e tutta la famiglia si troverà ad affrontare la sfida più ardua: quella di restare unita.

Applauditissimo all’ultimo Festival di Berlino, il film segna l’esordio nel cinema delle giovani sorelle Yasemin e Nesrin Samdereli, rispettivamente regista e co-sceneggiatrice, che hanno voluto raccontare in forma di commedia i loro ricordi di ragazze tedesche di origine turca.

NOTE DI REGIA

di Yasemin e Nesrin Samdereli

Tre domande fondamentali

Tempo fa abbiamo iniziato a notare che molte persone trovavano divertenti i racconti della nostra infanzia, racconti di due bambine di origine turca nate a Dortmund. Basti pensare che una di noi (Nesrin) andava alla scuola cattolica, passando i mercoledì a cantare inni in chiesa, mentre l’altra (Yasemin) suonava il flauto in una banda. E ancora c’è chi crede che noi turchi non ci siamo dati da fare per integrarci! In ogni caso, quello dell’integrazione è un tema fondamentale oggi e il nostro film affronta delle domande chiave: perché siamo qui, come tutto è cominciato e cosa significa essere “stranieri”.

Non siamo tutti uguali

Negli anni ottanta uscì un film molto drammatico, Yasemin. La gente pensava che nostro padre ci trattasse come quello del film tratta la figlia, in modo repressivo, e non importava che noi negassimo dicendo che nostro padre era molto tollerante. La gente non ci credeva. Questo dimostra che alcune persone vogliono ancora pensare che milioni di Turchi che vivono in Germania siano tutti uguali, con famiglie conservatrici pronte a punire le figlia innamorata del ragazzo sbagliato. È anche questo il motivo per cui volevamo girare una commedia che raccontasse la storia di persone normali come quelle con cui siamo cresciute.

L’invidia del Natale

Nella sceneggiatura abbiamo inserito molti aneddoti della nostra giovinezza, ad esempio il nostro ardente desiderio del Natale. Per noi era una tortura vedere i nostri amici tedeschi mostrare orgogliosamente i loro regali e raccontarci le tradizioni natalizie, con l’albero, tutto quel buon cibo, ecc. Una volta abbiamo costretto nostra madre a organizzare una festa di Natale, ma è il risultato è stato un flop totale…

La Festa del Sacrificio

Nesrin ricorda che in seconda elementare le fu chiesto se c’era una festa simile al Natale tra noi musulmani. Pur di dire qualcosa, lei parlò della Festa del Sacrificio (la ʿīd al-aḍḥā), durante la quale le pecore vengono sgozzate e la carne distribuita a parenti e vicini. Dopo questo racconto, gli altri bambini tedeschi hanno cominciato a guardarla in modo strano… Alcuni dei loro genitori hanno preso l’abitudine di farci dei regali di Natale, per compassione!

Problemi di scrittura

Scrivere la sceneggiatura di Almanya – La mia famiglia va in Germania è stato un processo lungo e difficile e se non l’avessimo affrontato insieme ci saremmo sicuramente arrese. In compenso siamo diventate un buon team, anche lavorando separatamente su diverse scene. Alla fine abbiamo dovuto stendere diverse versioni del copione, poiché in Germania c’è una tradizione di film a tematica “turca” essenzialmente drammatica… Le compagnie di distribuzione erano spaventate dal fatto che la nostra fosse invece una commedia!

Antenne turche

Ancora più complesse sono state le riprese, poiché il progetto in sé rappresentava una sfida appassionante: un cast nutrito, molte scene con bambini protagonisti, l’ambientazione nel passato dei tanti flashback. Le sequenze degli anni Sessanta girate in Turchia a Izmir (Smirne) rimangono quelle più faticose, anche nel voler ricreare l’atmosfera del passato: solo convincere le famiglie turche a togliere le antenne dai tetti e rinunciare alla tv per due giorni è stata un’impresa folle!

Il multiculturalismo è finito?

Oggi in Germania è in corso un intenso dibattito su come risolvere la questione dell’integrazione. Si svolgono discussioni infuocate sui lampanti deficit culturali dei Gastarbeiters (lavoratori ospiti), sui loro presunti comportamenti antisociali che sfogano nella violenza o in fenomeni come i delitti d’onore. A volte il multiculturalismo sembra essere finito, ma quello che troviamo nei titoli dei giornali è solo quello che NON funziona. Almanya – La mia famiglia va in Germania ci ricorda che questi lavoratori stranieri erano invitati dal governo tedesco e che hanno dato un enorme contributo alla stabilità economica del paese. Avevano il diritto di restare e i loro figli e nipoti sono cittadini tedeschi a tutti gli effetti. Questo è quanto dice il nostro film: siamo qui e per noi è giusto così.

TURCHI (E NON SOLO) IN GERMANIA:

UNA STORIA EMBLEMATICA DELL’EUROPA MODERNA

Chiedevamo dei lavoratori e sono arrivate delle persone

(Max Frisch)

Nel secondo dopoguerra, le aziende della Repubblica Federale Tedesca iniziarono a lamentarsi per la mancanza di operai. La prima causa del problema era la guerra stessa, che aveva ridotto drasticamente la popolazione maschile. I primi accordi tra stati per reclutare dei lavoratori stranieri furono stipulati con l’Italia nel 1955, quindi seguirono la Spagna e la Grecia. Riguardo agli italiani, furono ben 3 milioni i lavoratori a varcare la frontiera tedesca, prevalentemente di origine siciliana, calabrese, abruzzese e pugliese, ma anche veneta ed emiliana.

In base a un trattato firmato con la Turchia nel 1961, iniziarono ad arrivare in Germania Ovest anche i Gastarbeiters turchi, che raggiunsero in poco tempo le 826.000 unità: per la Turchia era un modo di cercare una soluzione ai propri problemi economici e sociali, per i tedeschi quello di ottenere manodopera a basso costo a sostegno del boom di quegli anni. Inoltre, era nell’interesse della NATO stabilizzare un paese come la Turchia, di grande valenza strategica durante la Guerra Fredda.

La maggior parte dei lavoratori turchi arrivavano da Istambul con treni speciali, che impiegavano circa 50 ore per giungere a destinazione passando per la Grecia. Solo negli anni Settanta furono inaugurati dei tragitti più rapidi attraverso la Bulgaria, ma d’altra parte nel 1973 venne posta fine al trattato di reclutamento fra i due stati. In quell’anno il numero complessivo di lavoratori stranieri presenti in Germania Ovest era di ben 4 milioni.

Tra il 1961 e il 1973 più di 2,6 milioni di turchi hanno fatto richiesta di lavoro per entrare in Germania e a chiunque passasse i test imposti dalle autorità tedesche (che riguardavano la salute, l’istruzione, le attitudini professionali) era concesso il visto. La maggior parte di queste persone veniva inviato nella Regione della Ruhr, enorme agglomerato urbano nato intorno ai ricchissimi giacimenti minerari.

La popolazione turca in Germania ha continuato a crescere negli anni grazie alla politica dei ricongiungimenti famigliari e ai matrimoni contratti nel nuovo paese. Oggi i cittadini di origine turca sono alla quarta generazione. Secondo l’Istituto di Statistica tedesco, dei 6,7 milioni di stranieri che nel 2009 vivevano nella Germania riunificata, i turchi costituiscono il gruppo più ampio con 1 milione 660mila unità. La rappresentanza italiana è invece di 650.000 persone.

YASEMIN SAMDERELI

regia e sceneggiatura

Nata a Dortmund nel 1973, studia cinema alla Hochschule für Fernsehen und Film di Monaco. A soli 20 anni inizia a lavorare come assistente alla regia e sceneggiatrice, quindi approda come free lance alla Bavaria Film, dove si occupa del progetto didattico “Das filmende Klassenzimmer”. Negli anni successivi si fa le ossa collaborando a grandi produzioni internazionali come Senza nome e senza regole (1998, con Jackie Chan) o Fields of Dreams (2002, di Stanley Tong), mentre inizia a dirigere diversi cortometraggi: Schlüssellöcher (1994), Lieber Gott (1995), Lachnummern (1996), Kismet (2001), Sextasy (2004).

Nel 2002 dirige il suo primo film per la tv, la commedia multiculturale Alles Getürkt, a cui segue nel 2007 Ich Chefe, Du Nix, mentre nel 2006 è tra le firme della serie tv di culto Turkish for Beginners. Almanya – La mia famiglia va in Germania è il suo primo lungometraggio per il cinema.

NESRIN SAMDERELI

sceneggiatura

Nata a Dortmund nel 1979 e di sei anni più giovane della sorella Yasemin, entra nel mondo del cinema lavorando alla Kinowelt. Inizia quindi a collaborare con Yasemin per la sceneggiatura dei suoi cortometraggi Kismet (2001), Sextasy (2004). È ancora al fianco della sorella per Alles Getürkt, film per la TV trasmesso nel 2002, mentre scrivono insieme una puntata della celebre serie Turkish for Beginners. Nesrin dirige Delicious, il suo primo cortometraggio, nel 2004. Anche per lei Almanya – La mia famiglia va in Germania rappresenta il debutto nel cinema.

TOMBOY dal 7 ottobre al cinema

2011-07-18T17:02:00.007+02:00

IL FILM

Divenuto un vero e proprio caso in Francia, con oltre 260.000 spettatori e un’accoglienza entusiastica della critica, Tomboy (inglese per “maschiaccio”) è l’opera seconda di Céline Sciamma, una delle più giovani rivelazioni del cinema europeo.

Protagonista del film è Laure, 10 anni, appena arrivata in un nuovo quartiere di Parigi con i genitori e la sorella più piccola, Jeanne. Un po’ per gioco, un po’ per realizzare un sogno segreto, Laure decide di presentarsi ai nuovi amici come fosse un maschio, Mickaël: il modo in cui si veste e si pettina, l’impeto con cui si azzuffa e gioca a calcio, non sembrano lasciar dubbi sulla sua identità e Mickaël è accettato nella comitiva. L’inizio della scuola però è dietro l'angolo e il gioco dei travestimenti si complica, tanto più che i genitori sono all’oscuro di tutto e Laure/Mickaël ha stretto un legame speciale con la coetanea Lisa…

Tomboy ha vinto il Teddy Award all’ultimo Festival di Berlino e ha trionfato al 26° Torino GLBT Film Festival, ottenendo il premio del pubblico come miglior lungometraggio e il premio Ottavio Mai, massimo riconoscimento assegnato dalla giuria “per la maestria, la sensibilità e la leggerezza, ma anche per la profondità con cui viene trattato il tema dell’identità sessuale nel tempo dell’infanzia”.

LA CRITICA IN FRANCIA

Un film di regia pura, che riafferma una verità troppo spesso trascurata: è dal cinema, non dalle situazioni in sé, che nascono le emozioni. Tomboy attraversa il cielo come un meteorite la cui superficie brilla di luce propria. Questo film ha la purezza di un diamante.

Pascal Mérigeau, Le Nouvel Observateur

Teso, intrigante, Tomboy utilizza tutti gli ingredienti di un film di suspense. Malgrado l’intensità delle situazioni, però, sono la descrizione in profondità dei personaggi e lo studio dei caratteri ad avere l’ultima parola. È come se la regista trasportasse una certa efficacia narrativa del cinema americano nel vocabolario del cinema francese d’autore.

Jean-Marc Lalanne, Les Inrockuptibles

Storia ludica del desiderio di travestimento di un ragazzo mancato, Tomboy vira lentamente verso una tenera suspense, trasformandosi infine in una riflessione sull’identità, sulla libertà di scegliere la propria vita, sul modo in cui gli altri ci guardano e determinano la nostra felicità, ci separano, ci condannano, ci riconducono alla normalità.

Jean-Luc Douin, Le Monde

Tomboy è un film dolce, austero e solare al tempo stesso. Tutto funziona alla perfezione. Dal ritratto dei ragazzini a quello della famiglia di Laure. Céline Sciamma ha 30 anni ed è incredibilmente dotata. Si applaude e se ne chiede ancora.

Emmanuèle Frois, Figaroscope

Grazie. Grazie per questo film. Dopo anni passati a divorare pellicole, ho sempre voglia, come ogni spettatore, di ritrovare il piacere della prima volta, il piacere della scoperta e dell’eccitazione che annuncia una bella avventura, il piacere dei buoni film che fanno venire la pelle d’oca. E Tomboy è di certo il film più delicato e intelligente visto da molto tempo a questa parte.

Eric Libiot, L’Express

Sciamma evita gli ostacoli dell’ambiguità e dei cliché con un’eleganza costante e un dolce riserbo. E quando la sua abilità non basta più, l’umorismo le arriva in soccorso, permettendole di tirar fuori delle scene divertenti all’interno di situazioni che potevano diventare troppo tese o scabrose.

Pierre Fornerod, Ouest France

Interpretato in modo ammirevole, il film impressiona per lo scarto tra la semplicità della storia e la complessità delle questioni sollevate. La facilità dell’integrazione di Mickaël nella comunità infantile suggerisce che l’identità sessuale è un gioco, una convenzione. Anzi: è proprio quanto resta in lui di femminile – o considerato tale – a donargli un fascino particolare agli occhi della ragazzina innamorata, che gli dice: “Tu non sei come gli altri”.

Louis Guichard, Télérama

Tomboy separa l’interrogativo sull’identità dai determinismi sociali o familiari. Afferma la supremazia dei personaggi, colti in un’età chiave, e la loro capacità di modellare il mondo secondo le proprie pulsioni, al di là del bene e del male. Questa scelta comporta una forma di suspense in cui il film si muove abilmente, obbedendo a una logica da film d’azione in fin dei conti molto hitchcockiana.

Thierry Méranger, Cahiers du Cinéma

Per Laure, farsi passare per un ragazzo non è solamente un gioco, la sua identità si costruisce quando la minaccia dell’adolescenza è all’orizzonte. Questo è tutto il miracolo del film, sublimato dalla luce estiva: mostrare attraverso una porta socchiusa che i bambini sono esseri complessi che gli adulti non capiranno mai. A parte Céline Sciamma.

Jennifer Lesieur, Metro

Céline Sciamma tiene tra le mani un soggetto formidabile. Il risultato è luminoso, capace di non scadere mai in un’eccessiva drammatizzazione, ma di essere sempre alla giusta distanza, affidandosi a una vera qualità dello sguardo.

Romain Le Vern, Excessif

Il film è una meraviglia di sensibilità. Céline Sciamma evita tutti i cliché dei film sull’infanzia. Con un’ispirazione formale costante e una maestria innata nella direzione degli attori (i bambini sono stupefacenti), la regista si interroga sui rapporti con la sessualità, la norma, il gruppo, con un salutare rifiuto di spiegazioni psicologiche. Il cinema francese può vantare tra i suoi ranghi una nuova cineasta di primo piano.

Olivier de Bruyn, Le Point

CÉLINE SCIAMMA

regia e sceneggiatura

Céline Sciamma nasce nel 1978 e cresce nella periferia di Parigi in una famiglia di origine italiana. Dopo la laurea specialistica in letteratura francese segue i corsi di sceneggiatura alla prestigiosa scuola di cinema La Femis. Su consiglio dell’attore e regista Xavier Beauvois, membro della sua commissione d’esame, utilizza lo script di fine corso per esordire come regista con Naissance des pieuvres (2007). Il film viene presentato nella sezione Un certain regard del Festival di Cannes 2007 e riscuote subito un grande interesse, facendo ottenere a Céline il Prix Delluc come migliore opera prima e una candidatura ai César nella stessa categoria.

Dopo alcuni lavori come sceneggiatrice, anche per la televisione, gira il cortometraggio Pauline (2009), realizzato grazie alla vittoria del concorso “Jeune et homo sous le regard des autres”, presieduto da André Téchiné e istituito per combattere l’omofobia.

Tomboy è il suo secondo lungometraggio, vincitore del Teddy Award all’ultimo Festival di Berlino e dei premi del pubblico e della giuria al 26° Torino GLBT Film Festival.

NOTE DI REGIA

Filosofia produttiva

Tomboy è stato realizzato in tempi incredibilmente brevi. Ho scritto la sceneggiatura in 3 settimane e pochi mesi dopo stavamo girando. Le riprese sono durate 20 giorni, con un budget iniziale di 500.000 euro e una troupe di 15 persone. Questi numeri riflettono bene lo spirito del film, radicale e dinamico. Volevamo credere che fosse possibile lavorare in una prospettiva diversa da quella consueta, con i tempi di scrittura e di ricerca di finanziamenti molto lunghi. Questo progetto è stato concepito in questo modo, è la sua filosofia.

Un meccanismo efficiente

Il film è costruito intorno a un argomento molto semplice e forte, ossia la storia di un personaggio con un’identità segreta. Si tratta di un tema classico, molto usato nel cinema americano (il poliziotto infiltrato, la doppia vita), che permette una narrazione forte, ricca di suspense e empatia. Il personaggio ha un obiettivo ben definito e gioca attivamente su due fronti. Partendo da questo efficiente meccanismo di scrittura, ho avuto quindi anche il tempo e la libertà di comporre un ritratto vivido dell’infanzia. Naturalmente, ero anche molto interessata al tema dell’identità sessuale e del genere: l’infanzia è spesso dipinta come un’età dell’innocenza, ma io credo che sia una stagione della vita piena di sensualità e emozioni ambigue. Ed è così che volevo raccontarla.

Trovare Laure

La nostra prima preoccupazione era il casting, poiché il ruolo di Laure rappresentava una sfida davvero ardua. Inoltre, avevamo pochissimo tempo per i provini e solo 3 settimane a disposizione prima della scadenza per ottenere il permesso di girare con dei bambini durante l’estate. Il casting director ha accettato la sfida, pur sapendo che non avremmo avuto il tempo di andare a cercare volti nuovi nelle scuole o nei giardini pubblici, ma avremmo dovuto considerare solo i piccoli attori già iscritti alle agenzie.

So che quello che sto per raccontare sembra il solito aneddoto romantico da tirar fuori in queste occasioni, ma questa storia è vera. Abbiamo incontrato la protagonista, Zoé Héran, il primo giorno di provini e ha avuto la parte. È arrivata con quell’aria da ragazzo, con il suo vero amore per il calcio e dei capelli lunghissimi. Girando qualche scena è stato chiaro che aveva quello che serviva: una forte emotività naturale e un viso molto fotogenico. Insomma, dal primo giorno avevamo la nostra protagonista. Non avevamo ancora i soldi, è vero, ma dal momento che l’ho incontrata sapevo che per lei avrei girato il film a qualunque costo.

Sorelle

Per quanto riguarda il personaggio di Jeanne, la sorellina di Laure, occorreva che ci fosse una chimica tra le due, un legame di fiducia reale. Presto il nostro interesse si è focalizzato su Malonn Lévana. Mi piace il suo viso e il modo in cui parla. Può sembrare molto matura ed era una bambina davvero intelligente, quando l’ho incontrata siamo entrate subito in sintonia, mi ha emozionato. Il legame tra le sorelle nel film è ispirato alle mia vita reale e nutrivo grandi aspettative a riguardo.

Amici veri

La scelta di Jeanne Disson, che interpreta Lisa, è stata l’unica fatta al di fuori delle agenzie. Non ero convinta delle altre, erano troppo consapevoli della propria bellezza, mentre io volevo una ragazzina impacciata, non una principessa. Per il resto dei bambini, invece, si è deciso di includere nel cast gli amici reali di Zoé, senza fare una selezione. La sceneggiatura non era ancora completa, quindi i singoli membri della comitiva non erano ancora stati delineati. Prendendoli tutti insieme speravano nella loro amicizia reale e nel legame speciale che li univa. Sentivo che qualcosa di buono poteva scaturirne

TUTTI PER UNO - dal 1° Giugno al cinema

2011-05-19T09:54:00.005+02:00

IL FILM

Milana è una bambina di origine cecena che vive a Parigi, dove frequenta la scuola elementare. La sua vivace comitiva comprende ragazzi di ogni colore e provenienza, uniti da grande amicizia e complicità. Quando uno di loro, Youssef, viene rimpatriato perché i genitori non hanno il permesso di soggiorno, lo stesso destino sembra attendere anche Milana. Ma i suoi compagni decidono di mettere in atto un piano per salvarla…

Una parabola attuale, toccante e divertente che ha emozionato il pubblico del Festival di Cannes, anche grazie a un cast sorprendente di giovanissimi attori e a una Valeria Bruni Tedeschi in una delle migliori interpretazioni della sua carriera.

NOTE DI REGIA

di Romain Goupil

L’idea del film e la cronaca francese

Il punto di partenza del film è stato innanzitutto il senso di impotenza provato davanti agli effetti della politica di rimpatrio dei sans-papiers. Naturalmente, l’altro punto di partenza del film è il fatto che questa situazione, con tutte le sue conseguenze, sia tuttora rivendicata da alcuni uomini politici allo scopo di guadagnare consenso elettorale.

Contro gli adulti

Un mio conoscente ha un figlio piccolo di origine vietnamita che un giorno gli ha chiesto quando anche lui avrebbe dovuto lasciare la Francia, poiché aveva visto scomparire parecchi dei suoi compagni. Il ragazzino aveva intuito di appartenere a una categoria stigmatizzata, minacciata… Era mia intenzione raccontare l’iniziativa dei bambini, al di fuori del controllo degli adulti e, in qualche misura, contro di essi. Il loro compagno, Youssef, è stato espulso. Ora è Milana a essere minacciata e tutto il loro gruppo è in pericolo. Quindi si organizzano a prescindere dai genitori, le cui dichiarazioni allarmistiche non fanno che convincerli del fatto di trovarsi in una situazione di massima emergenza e di non potersi fidare che di se stessi.

Valeria

Il progetto del film prevedeva da subito Valeria Bruni Tedeschi come protagonista. Prima dell’inizio delle riprese abbiamo discusso insieme per mesi, elaborando il suo personaggio. Valeria ha dato un grande contributo alla definizione di Cendrine, anche alla sua maniera di vestire e di pettinarsi, inventando per lei un modo molto particolare di rapportarsi alla femminilità e all’essere madre. La maggior parte degli adulti nel film sono brave persone, ma finiscono quasi sempre per essere dalla parte del torto. Cendrine, invece, è l’unica ad avere un relazione istintiva e sensibile con gli eventi, a comprendere davvero i rischi e il carattere intollerabile di ciò che minaccia i bambini.

Le posizioni del dibattito

C’è molto dibattito sul tema dei sans-papiers, anche tra coloro che ne sostengono la causa. Per esempio ci sono alcuni che rivendicano la regolarizzazione per tutti, altri che la vorrebbero solo per gli stranieri che ne fanno domanda e che sono integrati nella società francese, quindi lavorano, hanno dei figli che vanno a scuola, ecc. Volevo che nel film fosse presente l’eco di tale dibattito, ma che fosse rappresentata anche una posizione agli antipodi, come nel caso del fratello di Cendrine, Rodolphe, che ha una reazione quasi violenta sull’argomento. Avrei voluto interpretare io stesso quel ruolo, ma, a forza di discutere sui personaggi, con Valeria abbiamo pensato fosse meglio che a me andasse la parte del marito di Cendrine, in cui si esprime un punto di vista “riformista”. Per Rodolphe mi sono allora affidato al mio amico Hippolyte Girardot.

Milana

L’obiettivo principale era che il gruppo dei bambini protagonisti funzionasse come una vera banda, dunque, dopo le varie sessioni di casting, ci siamo organizzati affinché quelli selezionati passassero del tempo insieme. Poi, come sempre succede in queste occasioni, all’ultimo minuto arriva da Lione una piccola cecena con sua madre, e appare subito evidente che è perfetta per il ruolo di Milana. Ovviamente abbiamo dovuto cambiare tutto e imporre questa “nuova” Milana agli altri bambini che non la conoscevano, pur essendo destinata alla parte principale. La situazione del gruppo a poco a poco si è evoluta, leggendo il copione insieme, vivendo insieme, provando e discutendo…

Filmare i bambini

In alcune scene i bambini protagonisti dovevano seguire il copione alla lettera, in altre erano molto più liberi. Spesso, alla fine di una ripresa, si mettevano a chiacchierare tra loro e l’effetto era ancora migliore. Di conseguenza, durante il montaggio ho preferito utilizzare queste situazioni, includendo le loro reazioni spontanee.

In ogni caso, non mi piace quando il cinema usa i bambini per raccontare le emozioni degli adulti, mettendo loro in bocca parole “d’autore” con effetti quasi ridicoli. Io ho voluto filmare con loro, tra loro, escludendo il più possibile gli adulti, scegliendo inquadrature ravvicinate e dando ai bambini il più ampio spazio sulla banda sonora. Al punto che solo chi ha meno di dieci anni può sentire le suonerie dei cellulari che usano come segnale, degli ultrasuoni impercettibili per gli adulti.

Parigi, anno 2067

L’idea di ambientare il prologo e il finale nel futuro nasce dal bisogno di tirarsi fuori dalla palude nauseabonda in cui ci troviamo in questo momento e che ci costringe a fare ragionamenti inaccettabili, a entrare in un dibattito che evidentemente tra 50 o 60 anni sarà considerato indegno. I responsabili di questa situazione, come coloro che si sono rifiutati di aiutare Sarajevo o che hanno distolto lo sguardo dal Ruanda e dalla Cecenia, potrebbero già preparare i loro discorsi di pentimento per il futuro. Milana adulta descrive una situazione divenuta incomprensibile nel 2067 e mi permette di porre la domanda: quanto tempo occorre perché si comprenda che quanto accade oggi è semplicemente inammissibile?

IL PRIMO INCARICO dal 6 Maggio al cinema

2011-04-06T17:38:00.008+02:00

Il Film

Nel 1953, una ragazza meridionale, Nena, deve lasciare famiglia e fidanzato e trasferirsi in un paesino della Puglia per assumere il suo primo incarico di maestra di scuola. Ad accoglierla, però, è una realtà ostile, quasi arcaica, popolata di persone con cui Nena non sembra condividere nulla. Determinata a portare a termine il mandato, la giovane insegnante si scontrerà con quei luoghi selvaggi dimostrando un carattere fuori dal comune e spingendosi a ripensare la propria vita in modo sorprendente. Il primo incarico segna l’esordio alla regia di Giorgia Cecere (già sceneggiatrice di Sangue vivo e Il miracolo) e si avvale dell’interpretazione di una straordinaria Isabella Ragonese, in un ritratto di donna di rara intensità.

Note di regia

di Giorgia Cecere

Il lato meraviglioso dell’esistente

Da piccola amavo i film dei cowboy, che se ne andassero alla fine da soli verso chissà dove. La libertà l’ho imparata dai film. Guardandoli in televisione, nel piccolo tinello della nostra casa nell’ultimo paese del Capo di Leuca, scoprivo che il mondo era grandissimo, si poteva percorrere in lungo e in largo, si potevano fare cose incredibili, comportarsi in modi stravaganti, baciarsi all’improvviso tra sconosciuti, ballare sotto la pioggia. Ho voluto imparare a fare i film per raccontare il lato meraviglioso (e certo anche terribile) dell’esistente, il fatto che in qualunque momento può succedere qualunque cosa dentro e fuori di noi.

Un western dei sentimenti

Con Xiang-Yang ci siamo detti spesso che questo film era un western dei sentimenti. L’ho scritto con lui e con Pierpaolo Pirone, di cui conoscevo già la scrupolosa sensibilità narrativa e, in questo caso particolarmente utile, la sua passione per Truffaut, per un cinema allo stesso tempo leggero e profondo. Li Xiang-Yang invece è anche soprattutto un pittore. In realtà da quando lo conosco mi è stato compagno e maestro nell’arte cinematografica (prima di studiare al C.S.C. era all’Accademia del Cinema di Pechino), continuando però sempre a dipingere splendidi quadri. Dico questo per rendere più chiaro il modo in cui è nato il film: durante i nostri incontri di scrittura, mentre via via la storia si svolgeva davanti ai nostri occhi, noi parlavamo della luce, del tipo d’immagini, delle scenografie, dei costumi, delle sembianze di questo o quel personaggio. Poiché il mondo evocato dal film ha sempre avuto nella mia testa una vividezza particolare: è il mondo in cui sono vissuti mia madre e mio padre, alla cui storia mi sono ispirata.

La ricerca visiva

Il fatto che il film sia ambientato in luoghi e in un tempo lontani mi ha comunque offerto l’occasione per una ricerca di valore visivo che sentivo necessaria: volevo ricreare un mondo che fosse bello e curioso da guardare, vivo come fosse presente eppure diverso da quanto ci circonda nella vita quotidiana. Troppe cose restano nascoste dentro i nostri giorni, bisogni e desideri profondi che non riusciamo più a percepire se non come una vaga continua frustrazione.

Amore immaginario

Volevo raccontare l’avventura di questa giovane donna che con tanta fatica e meraviglia scopre ciò che davvero vuole nella vita rendendola il più possibile trasparente alla percezione dei sensi: tutte noi siamo state almeno una volta Nena, abbiamo costruito almeno una volta un amore immaginario di tale potenza da poter essere disperate all’idea di perderlo, a tutte noi la vita poi ha svelato la verità dolce/amara che quell’amore era niente.

PROSSIMAMENTE AL CINEMA

Una parabola attuale, toccante e divertente EVENTO SPECIALE al FESTIVAL di CANNES. Milana è una bambina di origine cecena che vive a Parigi, dove frequenta la scuola elementare. La sua vivace comitiva comprende ragazzi di ogni colore e provenienza, uniti da grande amicizia e complicità. Quando uno di loro, Youssef, viene rimpatriato perché i genitori non hanno il permesso di soggiorno, lo stesso destino sembra attendere anche Milana. Ma i suoi compagni decidono di mettere in atto un piano per salvarla... Un cast sorprendente di giovanissimi attori e a una Valeria Bruni Tedeschi in una delle migliori interpretazioni della sua carriera

SORELLE MAI - dal 16 marzo al cinema

2011-02-10T17:15:00.005+01:00

IL FILM

Sorelle Mai nasce dall’esperienza di Marco Bellocchio alla direzione dei corsi di Fare Cinema a Bobbio, città in provincia di Piacenza dove il regista è nato e dove nel 1965 girò la sua folgorante opera d’esordio, I pugni in tasca.

Articolato in sei episodi, il film narra le vicende della famiglia Mai, concentrandosi sul rapporto tra Sara, giovane attrice in cerca di successo, sua figlia Elena, bambina prima e poi adolescente, il fratello Giorgio e le due zie. Sullo sfondo la casa di famiglia di Bobbio, uno spazio evocativo in cui finiscono per intrecciarsi i destini di tutti.

Accolto con entusiasmo all’ultima Mostra di Venezia, l’ultimo film di Marco Bellocchio è unico nel suo genere: girato nell’arco di dieci anni in completa libertà creativa, fortemente autobiografico, Sorelle Mai è il ritratto appassionante e ironico di una famiglia, delle sue gioie semplici e dei suoi drammi nascosti, supportato da un cast di rara sensibilità.

SINOSSI

Sara Mai (Donatella Finocchiaro) è un’attrice e vive a Milano, cercando di affermarsi, mentre sua figlia, la piccola Elena (Elena Bellocchio), passa gran parte del tempo nella casa di famiglia a Bobbio, dove è accudita dalle due anziane zie (le sorelle Letizia e Maria Luisa Bellocchio). A Bobbio torna spesso anche il fratello di Sara, Giorgio (Pier Giorgio Bellocchio), sempre più inquieto e incerto sul proprio futuro.

Giorgio e le due zie sono ormai la famiglia di Elena, finché un giorno, dopo aver ottenuto una parte importante, Sara decide di portare la figlia con sé a Milano, e trasferrirsi in una casa più grande. A questo scopo, torna a Bobbio per formalizzare la vendita della sua parte della casa, trovando in Giorgio un alleato prezioso, malgrado i rapporti difficili intercorsi in passato tra i due. Gli anni passano, Elena cresce e si ritrova di nuovo a vivere con le zie, che ospitano anche una giovane professoressa di liceo (Alba Rohrwacher) che, travolta dalla sua angoscia d’amore, durante gli scrutini finali, per “assenza” rischia di far bocciare un suo studente. Anche Giorgio fa ritorno a Bobbio, in fuga dai debiti e inseguito da due personaggi loschi: stavolta sarà la sorella ad aiutarlo.

La famiglia al completo si riunisce infine sulla riva del Trebbia per assistere a una rappresentazione ideata dall’amico Gianni (Gianni Schicchi Gabrieli), che, vestito in frac, si immerge nelle acque dell’antico fiume del paese dove tutti i personaggi sono nati e dove hanno trascorso la loro prima giovinezza...

FARE CINEMA

Sorelle Mai è stato realizzato insieme agli studenti di sei edizioni del Laboratorio Fare Cinema, progetto di formazione cinematografica che ogni estate si tiene a Bobbio per quindici giorni sotto la direzione di Marco Bellocchio. Fin dalla sua nascita, nel 1997, il laboratorio è stato anche affiancato da una rassegna di film aperta al pubblico che, a partire dal 2005, ha preso il nome di Bobbio Film Festival, durante il quale viene assegnato “Il Gobbo d’Oro”, con riferimento al medievale Ponte Gobbo, simbolo della città.

DICHIARAZIONI DI MARCO BELLOCCHIO

Ho accettato l’idea di tenere il laboratorio di regia Fare Cinema, a Bobbio, mettendo dentro all’esperienza qualcosa di personale che mi consentisse un atteggiamento non teorico ma di partecipazione e personale divertimento. Si vede infatti nel film una bambina, mia figlia, crescere dai quattro ai quattordici anni. E l’altro figlio, di vent’anni più grande, in continui travestimenti, come se fosse inseguito da vari fantasmi... Nella mia storia giovanile c’è stata la ribellione e anche il coraggio del distacco, che non ha lasciato in me rimpianti o sensi di colpa, se non l’inevitabile confronto tra il mio destino e quello delle mie sorelle che invece sono rimaste in paese.

Mai (“Sorelle Mai”) è un cognome di fantasia, ma anche allude a quella trappola che per le due sorelle è stata la famiglia. Senza aver avuto la possibilità di una vita autonoma (nel senso che sono sempre state scoraggiate ad averla), sono rimaste sempre in casa come certe signorine dell’Ottocento, in un mondo gozzaniano o pascoliano, o cecoviano. Io che sono più giovane non ho responsabilità oggettive di questa loro “prigionia”, ma sento ugualmente una certa tristezza per la loro vita di confortevoli rinunce. E tanto affetto. Sorelle Mai è dedicato a loro.

Il film racconta la crescita di una ragazza e le trasformazioni dell’ambiente intorno a lei. Avendo girato nel corso di dieci anni e senza alcuna idea di raccogliere gli episodi in un film, abbiamo lavorato in maniera libera, spontanea. Gli episodi nascevano uno dall’altro, da un anno all’altro. È il tempo il vero protagonista del film, ciò che ne regge l’intero senso, al di là di ogni valutazione estetica che gli si può dare. Che si conclude definitivamente nel tempo presente.

Ho inserito dei piccoli frammenti de I pugni in tasca non per una citazione intellettualistica, ma perché essendo gli stessi luoghi, gli stessi ambienti, mi piaceva inabissare improvvisamente e rapidamente la storia di Sorelle Mai in un’altra storia lontanissima nel tempo. Vissuta e rappresentata cinquant’anni prima. La casa del mio primo film da allora non è molto cambiata. Ma, almeno per me, non è più popolata di fantasmi.

IN UN MONDO MIGLIORE

2010-11-16T15:03:00.005+01:00

IL FILM

Accolto trionfalmente all’ultimo Festival Internazionale del Film di Roma, In un mondo migliore ha conquistato il Gran Premio della Giuria e il Premio del Pubblico, due riconoscimenti prestigiosi che vanno ad aggiungersi alla nomina a candidato ufficiale della Danimarca al premio Oscar.

La vicenda del film ha per protagonisti Anton e Marianne, due medici in crisi matrimoniale, e Elias, il figlio adolescente, vittima dei bulli della scuola. L’unico capace di difendere quest’ultimo è Christian, un compagno di classe che trascina Elias in un mondo a lui sconosciuto. Christian vive col padre Claus, da poco rimasto vedovo…

Già venduto in 50 paesi, compresi gli Stati Uniti (alla Sony Pictures Classics), in patria il film ha riscosso un enorme successo di pubblico e rappresenta la quarta collaborazione di Susanne Bier con Teodora, che nelle passate stagioni ha distribuito Non desiderare la donna d’altri, Noi due sconosciuti e Dopo il matrimonio (quest’ultimo finalista agli Oscar del 2007).

Secondo Susanne Bier, «In un mondo migliore esplora la nascita delle reazioni violente nei figli adolescenti e le difficoltà degli adulti che, con l’esempio personale, tentano di indicare la strada del comportamento civile, arrivando a “porgere l’altra guancia”. Il film si chiede se la nostra cultura “avanzata” sia il modello per un mondo migliore o se piuttosto il caos sia in agguato sotto la superficie della civilizzazione».

In un mondo migliore ha la necessità e l’incanto di una parabola etica. Una storia di lacerazioni e incontri che ci spinge a capire quanto siamo soli e quanto non vorremmo esserlo. L’affondo nella violenza e nel dolore del mondo, diventa un luminoso viaggio di riconciliazione. Attraverso un cast di attori indimenticabili che incarnano l’intimità e l’estensione dei sentimenti umani, Susanne Bier indaga la nostra epoca con passione, forza visionaria e coraggio civile.

(motivazione espressa da Sergio Castellitto, presidente della giuria del Festival Internazionale del Film di Roma, nell’assegnazione al film del Gran Premio della Giuria)

SUSANNE BIER

regista

Figlia di Rudy Bier, un ebreo tedesco rifugiatosi in Danimarca durante l’occupazione nazista, e di Henny Bier, danese di origini ebreo russe e sorella minore di due avvocati (uno a Londra, l’altro a Copenhagen), Susanne Bier incarna il modello cosmopolita e moderno della tradizione europea degli anni d’oro, in cui i registi come Siodmak, Ophuls e Wilder cercavano, per necessità o inquietudine, ispirazione fuori dai confini nazionali. Susanne si laurea in architettura ma decide di studiare cinema all’estero, a Londra e Gerusalemme. Sposa un regista (da cui ha un figlio, Gabriel), poi un attore svedese (sua figlia Alice ha la doppia nazionalità ed è bilingue), poi un musicista.

Il suo cinema riflette appieno questa forma di libertà e di spazio a partire da subito, con Family Matters storia di incesto tra fratello e sorella, tra Copenhagen e un paese remoto del Portogallo. La regista si sposta poi in Svezia, per girare Pensionat Oskar, incentrato su una famiglia piccolo borghese in una località di vacanza, in cui i legami iniziano a vacillare quando il padre e marito scopre di essere attratto da un bagnino. In entrambi i film è evidente che l’altrove fisico serve alla regista a cercare un altrove morale e sentimentale, una forma di spostamento dalla normalità.

Il grande successo nazionale arriva con The One and Only, una commedia che non riesce a valicare i confini della Scandinavia, ma attira su Susanne l’attenzione dell’industria nel suo paese. Di nuovo al centro dell’azione troviamo due famiglie, problemi di adozione e una bambina che arriva dal Burkina Faso. La commedia successiva Susanne la gira in Svezia - è la storia di una giovane sfigata che sogna di cantare in Eurovisione - e il titolo la dice lunga: Once in a Lifetime.

È Open Hearts, tuttavia, a segnare la svolta critica internazionale, vincendo il Fipresci al festival di Toronto, riscuotendo un ottimo successo a San Sebastián e lanciando Susanne e il suo protagonista, Mads Mikkelsen, nel firmamento delle star europee (purtroppo il film ha una pessima distribuzione in Italia, “curata” da E-mik). Si tratta di una storia lacerante, in cui un uomo giovane e bello viene travolto da una macchina e rimane paralizzato a vita. L’incidente cambierà anche le vite degli altri, della sua compagna, dell’automobilista distratta e del medico che lo cura. Per certi aspetti Open Hearts racchiude tutto il lavoro precedente di Susanne e anticipa i film che farà in seguito. Come per Non desiderare la donna d’altri, Dopo il matrimonio, Noi due sconosciuti e In un mondo migliore, sotto la lente d’ingrandimento non c’è mai solo il personaggio- motore della vicenda. Un’azione scatena più reazioni e la traiettoria di un personaggio cambia le traiettorie degli altri. L’infermità fisica di Nicolaj Lee Kaas provoca un’infermità altrettanto grave in Paprika Steen, la donna che lo ha investito.

L’Afghanistan di Non desiderare la donna d’altri è l’altrove che sconvolge la vita del soldato Ulrich Thomsen, di sua moglie Connie Nielsen e di suo fratello Nikolaj Lee Kaas. Quando Thomsen è costretto a ammazzare un suo commilitone in un campo di prigionia Talebano, si scatena una serie di lutti morali, pubblici e privati. Oltre a essere un successo critico, il film si afferma anche al botteghino: funziona in patria, in America, Germania, Italia e Spagna, vince il Sundance Festival, vince San Sebastián e una sfilza di premi nazionali. Per l’industria americana, Susanne Bier è una da tenere d’occhio. Il soggetto del film viene opzionato e qualche anno dopo esce un remake diretto da Jim Sheridan con Jake Gyllenhaal e Natalie Portman. Sheridan si sente appoggiato e incoraggiato dalla regista.

La ricerca di un equilibrio interiore, la fuga e la riappacificazione sono centrali in Dopo il Matrimonio, dove Mads Mikkelsen, per dimenticare se stesso, si occupa di orfani in India, un altrove lontano in cui i drammi degli altri nascondono quelli personali. Il film ottiene una candidatura all’Oscar e vale un contratto con la Paramount per Susanne, che girerà con Benicio Del Toro e Halle Berry Noi due sconosciuti, il primo film che non porta la firma tra gli sceneggiatori né di Susanne né di Anders Thomas Jensen, suo stretto collaboratore e amico (nonché regista di culto di Green Butchers e Le mele di Adamo) . La verità è che anche Noi due sconosciuti è un film personalissimo e riconoscibile (non è casuale che Susanne sia affiancata da Pernille Bech Christensen e Morten Soborg, rispettivamente montatrice e direttore della fotografia) ed è di nuovo l’incontro tra due solitudini e due dolori diversi ma vicini.

Tra gli impegni futuri di Susanne Bier è prevista una commedia matrimoniale che, oltre a essere girata in Danimarca, sarà ambientata anche in Italia, paese che lei adora.

Vale inoltre la pena ricordare che tra i suoi registi preferiti ci sono Clint Eastwood e Ingmar Bergman (su cui la regista ha un progetto).

INTERVISTA A SUSANNE BIER

Cosa ha ispirato l’idea del suo nuovo film, In un mondo migliore?

Ho discusso con Anders Thomas Jensen della Danimarca, che viene percepita come una società armoniosa e ideale, mentre nella realtà nulla è perfetto. Abbiamo iniziato a pensare ad una storia nella quale eventi imprevedibili avrebbero avuto effetti drammatici sulle persone e distrutto l’immagine di luogo incantato nel quale vivere. La storia di due ragazzi che diventano amici, ma uno di loro comincia a diventare violento, ha iniziato a svilupparsi. Di solito si crede — o si vuole credere — che i ragazzini siano buoni, creature dell’amore, ma in questo caso un 12enne diventa cattivo, addirittura malvagio, perché arrabbiato.

Di cosa parla il film?

Il film è incentrato sul personaggio di Mikael Persbrandt, che interpreta un medico idealista che lavora per una missione umanitaria in un campo di rifugiati in Africa. Vuole fare la cosa giusta, ma gli eventi lo mettono alla prova e vediamo fino a che punto. La sua storia è intrecciata con quella dei ragazzi. Il medico è un personaggio interessante e intrigante che affronta le proprie ferite ma sogna un mondo migliore.

In Dopo il matrimonio, anche Mads Mikkelsen era impegnato in campo umanitario, ma doveva fare una scelta difficile nella sua vita. Sembra affascinata da questi complessi personaggi maschili, messi alla prova dalla sorte e costretti a prendere decisioni pressoché eroiche.

Semplicemente mi piacciono le persone e sono i loro problemi che le rendono interessanti. Nel film, Mikael Persbrandt è romantico, idealista, ma non certo perfetto. È un vero essere umano con le sue fragilità, i suoi dubbi e le sue incertezze. Da regista e donna, mi sento spinta verso questi personaggi maschili. Gli attori spesso hanno un forte lato femminile, e mi piace trovarlo, come la profondità, segreto nascosto da portare allo scoperto.

Aveva in mente Ulrich Thomsen e Mikael Persbrandt quando ha scritto la sceneggiatura con Jensen?

Di solito non parliamo degli attori all’inizio della scrittura, vogliamo concentrarci sulla storia e sulla drammatizzazione dei personaggi. Poi, dopo la seconda e la terza scrittura, quando abbiamo i nomi, ci pensiamo e riscriviamo parti della storia.

Com’è stato per lei lavorare con Mikael Persbrandt?

È un attore molto dotato, di grande forza. Ha un lato animalesco molto vivo e questo è stato eccezionale per me, come regista.

Nel gennaio scorso ha avuto dei problemi con il Governo sudanese, che ha accusato il film di essere anti-islamico e di dipingere “una situazione inesistente in Darfur”. Cosa ci dice di questo episodio?

Il film non ha nulla a che fare con il Darfur. È stato girato in Kenya, e l’azione si svolge da qualche parte in Africa, non in un luogo specifico. La storia poi non ha nulla a che vedere con la religione: l’accusa era del tutto fuori luogo.

Lei è uno dei filmmaker più “vendibili” di Scandinavia, e i suoi film sono noti in tutto il mondo. È importante per lei questo riconoscimento internazionale?

Il cinema per me non è fare piccoli film d’avanguardia che non vedrà mai nessuno. Mi piace essere connessa al pubblico, perché penso al pubblico quando faccio un film.

Quella Sera Dorata

2010-08-25T15:24:00.009+02:00

Il Film

Teodora Film annuncia per l’8 ottobre 2010 l’uscita nelle sale italiane di Quella sera dorata, pellicola che vede di nuovo insieme dopo tanti anni il regista James Ivory e l’attore premio Oscar Anthony Hopkins, coppia già protagonista di titoli celeberrimi come Quel che resta del giorno e Casa Howard. Tratto dal best seller omonimo di Peter Cameron, pubblicato in Italia da Adelphi, il film affianca a Hopkins due attrici d’eccezione come la vincitrice della Palma d’Oro a Cannes Charlotte Gainsbourg e la candidata a tre premi Oscar Laura Linney. Nel cast tecnico spiccano inoltre i nomi della sceneggiatrice due volte premio Oscar Ruth Prawer Jhabvala, alla sua 24esima collaborazione con Ivory, del direttore della fotografia Javier Aguirresarobe (Parla con lei, The Others, Vicki Cristina Barcelona), già vincitore di 6 premi Goya, e del compositore Jorge Drexler, anche lui premiato con l’Oscar per I diari della motocicletta.

La Sinossi

Omar Razaghi (Omar Metwally) studia all’Università del Colorado e la sua borsa di studio dipende dalla stesura della biografia di Jules Gund, scrittore sudamericano autore di un unico, venerato romanzo. Poiché gli eredi di Gund sono contrari al progetto, Omar viene convinto dalla compagna a raggiungerli nella loro tenuta in Uruguay, per tentare di ottenerne l’approvazione. Al suo arrivo, tuttavia, troverà una serie di situazioni bizzarre e imprevedibili, ordite dagli stravaganti famigliari dello scrittore: Adam (Anthony Hopkins), il fratello cinico e raffinato, Caroline (Laura Linney), la vedova orgogliosa, e Arden (Charlotte Gainsbourg), la giovane amante che da Gund ha avuto una figlia. La presenza del ragazzo finisce per alterare il precario equilibrio della famiglia, facendo riemergere un passato di intrighi e segreti, ma è lo stesso Omar a dover ripensare la propria vita quando nasce l’amore con la bella Arden.

Il Libro

Pubblicato in Italia da Adelphi nel 2006, “Quella sera dorata” di Peter Cameron è stato un vero caso editoriale, con 80.000 copie vendute e 13 edizioni, oltre all’accoglienza entusiastica della critica. La scelta per il titolo italiano, in accordo con l’autore, è stata quella di riportare in copertina il verso di Santarèm di Elizabeth Bishop, che nel testo introduce la seconda parte.

«Peter Cameron ha scritto con Quella sera dorata un piccolo capolavoro di arte del romanzo: raffinatissimo nei meccanismi ma che si legge senza poterlo abbandonare un minuto, pieno di sottigliezze ma capace di raccontare senza indugi, lieve e appassionato ... Dietro Peter Cameron c’è la tradizione del romanzo di conversazione, ci sono echi della Compton-Burnett e di Isherwood e di Gerhardie; ma il parlato morbido, sinuoso, antimimetico e più vero del vero di Cameron è tutto suo; come suo è il gioco appena ironicamente teatrale nel quale lascia incrociare e dissolvere i fili della vicenda, la resa dei personaggi che sembra di poter toccare e sentire ottenuta con una economia di mezzi assoluta, l’arte di dire le pulsioni segrete senza affogarle nella retorica o nella frivolezza: Quella sera dorata è il piacere della letteratura allo stato puro, leggetelo, perché il piacere è cosa rara» (Giuseppe Montesano – dalla quarta di copertina)

La Regia - James Ivory

James Ivory nasce a Berkeley, California. Dopo aver frequentato la University of Oregon, dove si laurea in Architettura e Storia dell’Arte, consegue un Master in Cinematografia alla University of Southern California. Il suo primo film, del quale è anche sceneggiatore, direttore della fotografia e produttore, è Venice: Theme and Variations, documentario di mezz’ora che gira come tesi per il master e che il New York Times definisce uno dei dieci migliori film non di finzione dell’anno.

Nel 1961, Ivory si associa a Ismail Merchant per fondare la Merchant Ivory Productions: il primo lungometraggio della neonata società è The Householder - Il capofamiglia, ispirato a uno dei primi romanzi di Ruth Prawer Jhabvala, autrice anche della sceneggiatura. Si forma così il terzetto di talenti che sarà alla base della più longeva casa di produzione indipendente della storia del cinema. Dopo titoli come Selvaggi (1972), Party selvaggio (1974), Autobiografia di una principessa (1975), Roseland (1977), Il treno delle 5:48 (1979), l’affermazione internazionale arriva con Gli europei, presentato al Festival di Cannes nel 1979, e si consolida negli anni Ottanta con Calore e polvere (1981), Camera con vista (1985), Maurice (1987), quest’ultimi tratti dai romanzi di E. M. Forster. Camera con vista viene candidato a otto premi Oscar, tra cui miglior film e miglior regista, e ne conquista tre, per la sceneggiatura non originale, per i costumi e le scenografie, mentre Maurice vince il Leone d’Argento per la regia al Festival di Venezia.

Ivory torna quindi negli Stati Uniti dove gira Schiavi di New York, ispirato al best-seller di Tama Janowitz, e Mr. & Mrs. Bridge, con Paul Newman e Joanne Woodward, adattamento di Ruth Prawer Jhabvala dell’omonimo romanzo di Evan S. Connell. Il film ottiene una candidatura all’Oscar per la migliore attrice (Joanne Woodward) e vince il premio per la sceneggiatura del New York Film Critics Circle. Con il progetto seguente, il regista torna di nuovo a E.M. Forster e il risultato è uno dei suoi più grandi successi, Casa Howard, candidato a nove premi Oscar e premiato con tre statuette: migliore attrice (Emma Thompson), migliore sceneggiatura non originale (Ruth Prawer Jhabvala) e miglior direttore artistico (Luciana Arrighi/Ian Whittaker). Il film successivo, Quel che resta del giorno, vede ancora insieme Anthony Hopkins e Emma Thompson, ed è un nuovo trionfo, con otto candidature agli Oscar e la nomina a “Film dell’anno” dalla British Film Critics Society.

Insignito dalla Directors Guild of America del premio D.W. Griffith alla carriera, Ivory continua a girare film che ottengono ampi consensi di critica e pubblico, come Jefferson in Paris (1995), Surviving Picasso (1996), con Anthony Hopkins nei panni del pittore, La figlia di un soldato non piange mai (1998), girato interamente a Parigi, The Golden Bowl (2000), con Nick Nolte, Uma Thurman e Anjelica Huston. Gli ultimi film del regista prima di Quella sera dorata sono Le Divorce-Americane a Parigi (2003), ispirato al romanzo di Diane Johnson, e La contessa bianca (2005), ultimo film prodotto dal compianto Ismail Merchant.

Il Cast

Anthony Hopkins (Adam)

Vincitore dell’Oscar per la formidabile interpretazione di Hannibal Lecter ne Il silenzio degli innocenti (1991), Anthony Hopkins ha ricevuto altre tre candidature per Quel che resta del giorno (1993), sempre di James Ivory, Nixon - Gli intrighi del potere (1995) di Oliver Stone e Amistad (1997) di Steven Spielberg.

Nato il 31 dicembre del 1937 a Margum, vicino Port Talbot, nel Galles, è l’unico figlio di Muriel e Richard Hopkins. Suo padre è un panettiere e il giovane Anthony studia alla Cowbridge Grammar School. A 17 anni capita per caso in una produzione teatrale amatoriale dell’YMCA e capisce immediatamente di aver trovato la propria strada. Anche grazie alla sua bravura al pianoforte, vince una borsa di studio per il Welsh College of Music & Drama di Cardiff, dove studia per due anni, fino a quando viene invitato a un’audizione con Sir Laurence Olivier, all’epoca direttore del Royal National Theater. Due anni dopo, Hopkins è il sostituto di Olivier in Dance of Death di Strindberg.

Nel 1967 debutta sul grande schermo interpretando Riccardo Cuor di Leone ne Il leone d’inverno, accanto a Peter O’Toole e Katherine Hepburn, ruolo per il quale ottiene una candidatura al BAFTA come Migliore Attore. Diviso tra le due sponde dell’Atlantico, nel corso degli anni Settanta lavora spesso con Richard Attenborough (Gli anni dell'avventura, Quell’ultimo ponte e Magic – Magia) o grandi maestri come Robert Wise (Audrey Rose), anche se il grande pubblico lo ricorda soprattutto in uno dei primi capolavori di David Lynch, The Elephant Man (1980). Grazie agli adattamenti televisivi dell’Otello shakespeariano e de Il gobbo di Notre Dame di Victor Hugo, in patria diventa una vera e propria star, status confermato da pellicole come 84 Charing Cross Road di David Hugh Jones e Amore e rabbia di Mike Newell.

La consacrazione internazionale arriva tuttavia con il premio Oscar per Il silenzio degli innocenti (1991), a cui segue un momento d’oro per Hopkins, che diventa uno degli attori più richiesti del mondo. Tra i titoli maggiori di quegli anni ci sono due capolavori della Merchant Ivory, Casa Howard (1992) e Quel che resta del giorno (1993), Dracula di Bram Stoker (1992) di Francis Ford Coppola, Nixon - Gli intrighi del potere (1995) di Oliver Stone, Vento di passioni (1994) di Edward Zwick, Surviving Picasso (1996), ancora di Ivory, Amistad (1997), di Steven Spielberg. Hopkins interpreta nello stesso periodo anche diversi blockbuster di successo (La maschera di Zorro, Vi presento Joe Black, Instinct – Istinto primordiale, Alexander), ma anche film più rischiosi o originali come il Titus di Julie Taymor o l’adattamento cinematografico del romanzo di Philip Roth La macchia umana, con Nicole Kidman. Rispettivamente nel 2001 e nel 2002 torna a vestire i panni di Hannibal Lecter in Hannibal e Red Dragon, sempre tratti dai romanzi di Thomas Harris e accolti con grande favore dal pubblico.

Vincitore del premio Cecil B. DeMille nel 2006, attivo egli stesso come regista (Dylan Thomas: Return Journey, August, Slipstream), tra i suoi ultimi titoli ricordiamo Tutti gli uomini del re (2006), Bobby (2006), Beowulf (2007), Wolfman (2009) e l’ultima fatica di Woody Allen, You Will Meet a Tall Dark Stranger. È impegnato attualmente nelle riprese di diversi film, tra cui il thriller The Rite, in cui interpreta un esorcista, e Hemingway & Fuentes, in cui si calerà nei panni del grande scrittore americano.

Charlotte Gainsbourg (Arden)

Considerata una delle migliori attrici francesi della sua generazione, Charlotte Gainsbourg ha ricevuto nel 2009 la Palma d’Oro a Cannes come migliore attrice per Antichrist, di Lars von Trier.

Figlia del cantautore (e occasionalmente regista) Serge Gainsbourg e dell’attrice inglese Jane Birkin, Charlotte nasce a Londra il 22 luglio del 1971. Il suo debutto sul grande schermo risale al 1984, quando interpreta la figlia di Catherine Deneuve nel film Amore e Musica. Nello stesso anno fa scalpore recitando accanto al padre nel controverso video musicale del brano Lemon Incest.

Dopo Giardino di cemento, diretto dallo zio materno Andrew Birkin (1994) e suo primo film recitato in inglese, è scoperta dal pubblico internazionale grazie Jane Eyre, adattamento del romanzo di Charlotte Brontë diretto da Franco Zeffirelli.

Gainsbourg conferma quindi il suo talento vincendo un altro César – come attrice non protagonista – per Pranzo di Natale (1999), ma soprattutto riceve il plauso della critica grazie alle sue interpretazioni in 21 grammi di Alejandro González Iñárritu (2003) e ne L’arte del sogno di Michel Gondry, che ne consolidano il successo in tutto il mondo. Tra i film successivi ricordiamo Prestami la tua mano (2006), l’italiano Nuovomondo (2006), Io non sono qui (2007), Persécution (2009), fino alla consacrazione con Antichrist di von Trier, che la dirigerà anche in Melancholia, tuttora in lavorazione.

Parallela alla carriera di attrice, fin da giovane Gainsbourg ha portato avanti quella di cantante, debuttando nel 1986 con l’album “Charlotte for Ever”, scritto e prodotto dal padre Serge. Dopo diversi duetti e collaborazioni prestigiose, il secondo disco, “5:55”, esce nel 2006 ed è un successo di pubblico e critica, che la porta in cima alle classifiche francesi. Il terzo e ultimo album, “IRM” (2009) è stato prodotto da Beck e seguito da un tour internazionale.

Laura Linney (Caroline)

Candidata tre volte al premio Oscar (nel 2000 per Conta su di me, nel 2004 per Kinsey, nel 2008 per La famiglia Savage), Laura Linney ha ottenuto anche un BAFTA Award per Mystic River, senza dimenticare tre Emmy e un Golden Globe per i suoi ruoli televisivi.
Nata a New York, studia recitazione alla Brown University, per poi perfezionarsi alla celebre Juilliard School. Prima dell’approdo al cinema, Linney si dedica al teatro, conquistando diversi premi e diventando una delle attrici di punta di Broadway, I suoi primi film da protagonista sono Congo (1995) e Schegge di paura (1996), ma il vero trampolino di lancio è rappresentato da Potere Assoluto (1997, di Clint Eastwood) e The Truman Show (1998, di Peter Weir), che ottengono un grande successo in tutto il mondo.
Un film indipendente del 2000, Conta su di me, dell’esordiente Kenneth Lonergan, le procura la prima delle sue tre candidature all’Oscar, affermandone definitivamente la statura di star. Tra i suoi ultimi film ricordiamo L’uomo dell’anno (2007), La famiglia Savage (2008, terza candidatura all’Oscar), Breach – L’infiltrato (2008), L’ombra del sospetto (2008), oltre che Quella sera dorata e la miniserie tv di culto John Adams, per la quale ha ottenuto un Emmy e un Golden Globe. Dopo Sympathy for Delicious, esordio nella regia di Mark Ruffalo, ha appena finito di girare The Details, accanto a Tobey Maguire.